Mudamos!

Sim. De verdade.

Arte Clássica e a Genitália PP

Tá certo que já faz quase um mês desde o último texto aqui, mas vamos continuar falando dos gregos (aqueles mocinhos alegres que criaram as bases da civilização ocidental, caso você seja um eremita).

Na verdade esse era pra ter sido o primeiro post do GNM, mas acho que eu ainda não tinhas as bases corretas pra escrever. Agora acho que já é possível. Vou tentar responder à questão magnânima, crucial e terrível da arte grega, aquela que se tornou o padrão clássico do ideal de beleza do corpo humano, aquela que fez Michelangelo parir o Davi, aquela que alguns dizem que era colorida, aquela linda e maravilhosa coisa que causa olhares tortos pra saber se não é de verdade... e que fez todos os homens como pintos minúsculos.

Isso. Alguém precisa falar disso! Essa pergunta não pode ser um daqueles tabus inexplicáveis na quinta série.

- É que tá frio!

Fídias (?). Hermes Logios. Cópia romana em mármore

a partir do original do século V a.C.

Todo mundo já se perguntou. Por quê? Por que os pipizinhos de molequinho nos corpos de homenzarrões?

Elenquemos hipóteses:

1. Os gregos tinham, de fato, uma involução fálica.
2. Os gregos preferiam coisas em tamanhos que não os machucassem. E tinham vergonhinha~
3. Em contraposição à hipótese 1: os gregos eram modestos e não queriam ofuscar seus vizinhos europeus.
4. Gregos consideravam coisas pequenas mais humanas, e maiores mais monstruosas.
5. Nanomáquinas.

Pra dar uma escrutinada sobre o assunto eu vou usar Arte e Ilusão, do Gombrich (<3) e uns trechinhos de Greek Homosexuality, de Kenneth Dover, que achei perdidos por aqui. Vamos à análise.

I. Involução fálica

Bem, falar que os gregos tinham pinto pequeno seria falho. Eu acho. Se fossem japoneses dava pra falar com certeza. Podemos consultar a Wikipédia e procurar a média peniana mundial e a média dos gregos, pra ver se isso justificaria os pipis das estátuas. Mas não vamos fazer isso.

II. Frescura

Sabemos da preferência sexual dos gregos.

Tá, não sabemos, mas sabemos da fama. Eles basicamente eram capazes de ficar excitados com qualquer coisa que fizesse sombra e fosse capaz de gemer (ainda que essa segunda característica não fosse essencial, mas sabe como é, teria mais graça). Gente, é só pôr no papel os casos de Zeus. O deus-supremo helênico teve filhos com mulheres, árvores, pedras, consigo mesmo (masturbação não causa gravidez, não se preocupe), com animais, com conceitos da natureza, etc, etc. Veneravam um ninfomaníaco, é óbvio que eles não ligavam pra tamanho ou formato das coisas.

- Se liga no meu cajado.

Pintor desconhecido. Ganímedes fazendo uma libação a Zeus. c. 490 a.C.

(Zeus traçou ele depois, pra quem não conhece o mito)

Adorar um ninfomaníaco não era nada. Ao contrário de hoje em dia, na nossa sociedade judaico-cristã-obâmica-ocidental, os gregos ADORAVAM o corpo. Não que hoje não adoremos, mas é que eles não tinham pudores em mostrar seus atributos; não era um tabu pecaminoso ou coisa do tipo. Era mais pra “é bonito, mostre”. E tenha orgulho disso. Olimpíadas eram disputadas com todo mundo peladão. Usar roupas em eventos esportivos era considerado bárbaro (eles diriam out): ter vergonha do corpo era falta de civilidade. O que faz um sentido terrível, não?

III. Modéstia

Não.

IV. Que pênis grande você tem!

Oh, aqui encontramos mais um pouquinho de sentido. O pequeno e o grande, o natural e o monstruoso. Sim, isso era verdade. Haviam, sim, representações artísticas que envolviam pênis grandes, enormes, monstruosamente assustadores. Tinha até um deus do pinto, Príapo.

É daí que vem o termo "priapismo", minha gente.

Anônimo. Príapo-Hermes, ou Príapo com Caduceu.

Afresco em Pompeia, c. 89 a.C. - 79 d.C.

A diferença aqui era estética e simbólica: pipis pequenos eram reservados para a representação de homens comuns, enquanto os grandes (mesmo que visualmente “normais”) eram utilizados em seres selvagens, como sátiros ou animais.

V. Nanomáquinas

Na verdade não tem absolutamente nada a ver com isso aqui, mas é que seria divertido se tivesse.

Fala sério, hein?

Resumindo:

Tudo uma questão de ideal de beleza. Do mesmo modo que as estátuas eram representadas praticamente sem pêlos, por exemplo. Lembra do schemata, do post anterior? Ainda que os gregos tivessem superado a pressão do uso dos esquemas tradicionais, resquícios sempre existem. Pipizinhos eram um desses resquícios (sem trocadilho), do mesmo modo que praticamente todos os rostos eram iguais, todas as mãos, todos os cabelos e todos os padrões de vestimenta, a menos que estivessem deliberadamente representando algo único. Esquemas. Só que estamos tão condicionados pela nossa visão de sexualidade proibida, que a primeira coisa que percebemos é... o pinto. As outras coisas, tão estranhas quanto, desaparecem.

- Cobra filha da mãe!

Hagesandro, Athenedoro e Polidoro. Laocoonte e seus filhos.

Cópia em mármore a partir de um original de 200 a. C.

Na cabeça dos gregos, um pipi pequeno, lisinho e não circuncidado era mais olhável que uma coisa grossa, feiosa e grande. Esses eles deixavam pra velhos tarados e bichos. Além do mais, pênis grandes eram um símbolo de fertilidade, e esse era mais um dos motivos pelos quais eles não eram representados dessa maneira; as estátuas e pinturas, sendo a maioria delas simbólica, não eram de deuses da fertilidade, e sim de homens mortais. Colocar uma coisa ali que aparecesse demais iria mudar o significado todo da coisa.

Para finalizar, isso não aconteceu só com os gregos. Coisas fálicas mais coisudas são associadas à pura sexualidade, fertilidade ou selvageria em outras culturas. Especialmente na “nossa”. Por exemplo, numa passagem de Ezequiel, 23: 20, temos o relato bizarro sobre a profissional do sexo Ooliba, que ardia em amor “por luxuriosos, cujo membro era como um membro de asno, e sua lubricidade igual à dos cavalos.” (citar a Bíblia significa que eu estou certo).

Como a arte grega foi a base da pintura e da escultura até o Renascimento, é claro que por muito tempo os homens foram representados com um membrinho. A partir da quebra dos cânones da arte renascentista, ali depois do século XVII, tudo se normalizou, e temos pintos normais.

Mas não temos mais tantos nus masculinos. Não é um padrão interessante?

Schemata de matar e a fodelança grega

Um trocadilho de morrer (tá, parei).

Schemata é um jargão legal em psicologia para falar de esquemas de representação e interpretação visual. Toda civilização partiu de schemata para ver o mundo. Em arte, isso significa que cada civilização "via" imagens de uma maneira diferente. Pense nas pinturas egípcias, ou nas japonesas. É bater o olho pra saber que são de tal e tal povo. Estou resumindo o conceito ao extremo, mas é basicamente isso; não é dele exatamente que eu vou falar aqui, e sim do boom maravilhoso que foi a derrapada dos gregos na história da arte.

Issan Ichinei. Daruma (Bodhidharma).

Pintura do Período Kamakura (século XIV).

Mil dinheiros pra quem adivinhar de onde vem essa.

Estava eu aqui estudando quando simplesmente fui acometido por uma obrigação de dividir isso. Amigues, vejam que bonito:

[...] a juventude de um Estado deveria praticar apenas aquelas canções e poses consideradas boas: essas eram prescritas minuciosamente, e as prescrições eram afixadas nos templos. Fora dessa lista oficial era, e ainda é, proibido a artistas e pintores e a todos os outros que produzem poses e representações a introduzir nelas qualquer inovação ou invenção, seja nas ditas produções, seja em qualquer ramo da música, que extrapole as fórmulas tradicionais. E no Egito encontramos coisas pintadas há dez mil anos (e não digo levianamente, mas literalmente: há dez mil anos) que não são em nada melhores nem piores que qualquer obra dos nossos dias, mas elaboradas com a mesma arte... (PLATÃO apud GOMBRICH, Arte e ilusão, p.105-106) 

Isso aí foi Platão falando da arte egípcia, na sua obra bico-do-corvo/inacabada As Leis. Sim, ele pagava pau pros egípcios, por causa de toda aquela viagem dele do mundo das ideias e tralala. Pra quem não lembra, pra ele havia toda uma coisa de ~mundo das ideias~ e ~mundo material~. Ideias feitas, formadas, perfeitas, contra aparências toscas que nossos pobres olhos são obrigados a ver, pois não são capazes de alcançar um estado de espírito májicko o suficiente para abraçá-las. Para Platão, um artista apenas imitava uma ideia, enquanto um artesão a realizava de fato, trazia o conceito ao mundo da matéria.

Por isso ele pagava pau pros egípcios. Eles eram especialistas em não mudar porcaria nenhuma.

Pintura no túmulo da garçonete Rainha Nerfertari. 1298 a.C.

Como bom ranzinza que devia ser, Platão achava um absurdo aquelas inovações de pintura e escultura dos seus contemporâneos gregos. Devia andar pela ágora, tirando carrapato da toga resmungando “no meu tempo...” enquanto desviava de cavalos gigantes de madeira (oi?).

Mas afinal, o que diabos tornou os gregos tão importantes na arte?

A quebra do schemata.

Até então, no mundo, no Brasil e em todo o universo, toda representação visual era baseada em schematas criados há eras. Os pintores de tudo quanto é canto não eram nem um pouco naturalistas: seu processo de criação de imagens não baseava-se na observação das formas que eles viam na realidade, mas sim na imitação de esquemas. Fórmulas, mesmo. A arte egípcia é o exemplo mais clássico e fofo e amado que temos (s2), mas é só ver a arte do Oriente que dá na mesma. Pode-se dividir o “estilo” por civilização, mas não por artista. O uso do esquema era generalizado.

Esse foi o pulo do gato dos gregos. Eles foram os primeiros a se tocar e dizer “ei pessoal, e se a gente fizer a cabeça desse jeito?”. São eles os responsáveis pelas primeiras correções no quesito Imitação da Realidade. Não foi um processo natural de evolução. Eles foram a única civilização com semancol, mesmo. Dá pra ver isso muito bem em algumas esculturas, num período de menos de 300 anos. Digam oi aos rapazes:

1. Apolo de Tenea. Século VI a. C. Mármore de Paros

2. Apolo de Piombino. Século V a. C. Bronze.

3. O menino de Creta. Século V a. C. Mármore de Paros.

Essas três esculturas são formas clássicas chamadas kouros, representações de rapazes jovens e bonitos (ui). Dá pra ver uma "evolução" aí, da primeira pra terceira. A rigidez dá lugar, aos poucos, à vivacidade, com pouquíssimas alterações na estrutura. O Apolo de Piombino só tem os braços levantados e a perna levemente mais adiante; o menino de Creta apresenta uma ligeira torção no tronco, dando movimento à estátua.  E isso aí estava muito, mas muito perto disso aqui:

Não preciso do meu braço já que não tenho pinto.

Praxíteles. Hermes e Dioniso. Mármore de Paros, 2,10m. 343 a.C.

O que uma empinadinha não faz, né?

Além da quebra gradual do schemata e da mitologia pansexual-incestuosa, foram eles os primeiros a deslocar as imagens de sua função primeira, a ponto de sair copiando várias delas em muitos lugares apenas porque... eram bonitas. Antes disso, todas elas tinham uma função específica, fosse retratar um feito de guerra, ilustrar uma cena religiosa ou coisa do tipo.

Sim, pessoal. É isso mesmo, se vocês chegaram à mesma conclusão do tio Gombrich. Foram os gregos que inventaram a arte como a conhecemos hoje. Aquelas monas que andavam de toga e corriam peladas. E acabou que todo o pensamento ocidental é baseado nelas.

Por isso, criançada, lembrem-se de agradecer a Zeus todos os dias por não terem sido os japoneses a quebrarem o schemata.

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Da Vinci e a Maldição de Começar Demais

Eu gosto do Da Vinci, antes do Código, antes das exposições ad nauseum sobre a genialidade do ser. Sempre curti o cara, desde que eu era uma pequena terrorista com cabelo de playmobil.

Ah, os anos 90...

Às vezes eu sinto como se falar de Da Vinci fosse errado. A maior parte das pessoas te olha com aquela cara de quem assistiu/leu O Código Da Vinci e sabe tudo sobre leitura de imagens e obras, então não há mais nada a ser dito. Todo mundo está de saco cheio de saber que ele era um gênio. Todo mundo está entediado com aquelas informações de que ele era arquiteto, engenheiro hidráulico, pintor, escultor, carteiro, coreógrafo, engenheiro bélico, stripper e diarista nas horas vagas. E quem aqui nunca viu a teoria de que ele era gay (ok, as evidências apontam para bissexualidade...)?! É, o Leo é muito pop.

HATTORI, N. Diversos. 2000 (Ah, os japoneses...)

E eu vou falar dele mesmo assim.

Esse cidadão nasceu em Abril de 1452, a Europa estava saindo da Guerra-Que-Não-Durou-Necessariamente-Cem-Anos, época de disputas pelo poder territorial, intelectual e cultural. Ainda por cima ele era filho bastardo, o que na época era comum e muitas vezes interessante para o bastardo. No caso do nosso Leonardo bastardo, mais ainda. Significava que ele poderia ter todo o $apoio$ de seu pai para ser pupilo de um dos mais foderosos escultores da época e não possuía obrigação nenhuma de tocar os negócios da família para frente. Era algo do tipo “Vamos ver se o moleque dá um bom artista.”

Isso foi na época dos mecenas, caras que pagavam pra você ser artista. Apesar dessa história parecer boa demais pra ser verdade vamos lembrar que naquela época já estava muito enraizada a idéia de que alto capital cultural significava entre outras coisas soberania estatal.

De qualquer maneira Leonardo era um cara no mínimo curioso. Não bebia muito, vegetariano, acordava cedo (por seu despertador caseiro movido a água...-WHITING, R. The Art of Leonardo Da Vinci. 2005 <3 ) ... já deve ter um monte de gente pensando “Era viado mesmo...”

Evitava discussões religiosas e políticas por conta da realidade da época ( e porque ele não era nem um pouco burro), não sabia latim pois não teve estudo formal (seus estudos eram feitos a partir de traduções das obras mais importantes), a maior parte de sua educação foi através do fazer pra aprender e não do ler pra saber como faz, ah e ele dissecava corpos à noite em busca de conhecimento sobre .. tudo.

Leonardo não se restringia a apenas um projeto se nesse meio tempo surgisse algo que atiçasse sua curiosidade. Como isso acontecia com uma certa frequência, considerando que o Sr. Da Vinci tinha uma mente inquieta cujo objetivo primevo era descobrir sempre mais acerca do “significado da vida”, ele começou a perceber que poderia combinar interesses de diversos tipos de conhecimento dentro de uma única proposta. Havia criado a noção de que a arte e a ciência eram como café sem açúcar ou arroz sem sal. Você consegue tomar/comer mas sabe que está faltando alguma coisa.

O problema é que já havia sido criada a noção de designer: um projeto, um preço, um prazo ou você está fora. Leo era organizado com suas finanças e seus estudos interdisciplinares, mas definitivamente tinha um problema com prazos, fazendo com que seus serviços acabassem sempre rondando patronos que fossem simpáticos a ele. Acabava dependendo da boa vontade de algum amigo rico.

É quase uma paródia de nós mesmos. Quantos desenhistas/artistas/escritores começam tanta coisa e param na metade quando veem mais um coelho branco escorregando árvore abaixo... Dá pra ficar maluco só de pensar em como nossa mente consegue ser insatisfeita algumas vezes. Óbvio, nem todos são assim, mas isso é visto muitas vezes como algo ruim, é angustiante pra quem sente e irritante pra quem vê.

Esse esquema representa a evolução do raciocínio de
Leonardo a partir da tarefa de cortar um pão em fatias. (Led's Picaretagem, 2010)

É como ir no shopping com a sua mãe sabendo que você precisa comprar apenas um par de sapatos, mas que ela vai acabar achando 3 bolsas, 8 camisetas e 15 calças pra você experimentar...

Só pra concluir dando uma ênfase no lado ineparável da criatura (ouch), muitas das (possíveis) 10.000 páginas de desenhos, projetos e anotações dele mostram pequenas notas esparsas de perguntas e especulações sem resposta, ou sentenças um tanto tendenciosas como “Faça seu trabalho ser tal que após a morte você se torne uma imagem da imortalidade.”

Ele podia não ser um bom designer, mas conseguiu fazer barulho por muito tempo. Como nesse post, de novo.

PS: Eu sei que prometi uma postagem sobre Bosch <3, mas enquanto eu divagava acabei escrevendo sobre Leonardo, acontece nas melhores famílias .-.

GNM Investigativo/Expectativas Expectantes

Ó o climão de entrevista aqui. Teclando ao vivo (oi) em momento jornalista. Já que ninguém precisa de diploma pra fazer isso.

Estou escrevendo isso aqui na sala de aula de Gravura do quarto ano do curso de Educação Artística da UNESP de Bauru. O mesmo em que me formei ano passado. Tô aqui de bicão, dizendo que vim falar com uma das professoras pra poder começar a publicar e ganhar pontos mágicos acadêmicos a fim de engrossar o currículo pra um futuro mestrado.

Hoje (01/06) saiu a lista dos artistas participantes da 29ª Bienal de Arte de São Paulo. OK, eu acompanhei umas citações legais no twitter do momento da audiência e tal, quando estavam anunciando, mas acabei nem conferindo mais nada depois. Aqui, agora, acho que ninguém ainda viu, e como toda vez que tem bienal o povo da faculdade faz excursões pra ir ver as exposições, resolvi ver o que é que o povo tá esperando pra esse ano.

Ou seja, isso aqui vai ser basicamente um post de Por Quê a Bienal Passada Foi Horrível. Isso se as três pessoas desocupadas aqui à mesa pararem de falar de Gossip Girl. E as outras duas voltarem a uma temperatura saudável, dado o estado de encampotamento vestiário causado pelo frio enregelante bauruense.

Primeiro, Giovana. Fale da Bienal.

Bruno Müller. Giovana me ignorando. Fotografia, 400x300px. 2010.

...

Péra, ela voltou a falar daquele maldito seriado. Um momento.

...

Certo, gente, o experimento não tá dando certo. Não vai dar pra escrever aqui. O Templo do Saber não está funcionando como ambiente de discussão. Vou voltar a escrever quando chegar em casa, ou estiver no ônibus voltando, ao lado do Romário (aquele ali ao lado, na fotinha em preto e branco, que até agora não escreveu nada aqui, apesar de ficar prometendo).

...

Tá, última tentativa. Acho que isso eu consigo tirar deles. Ei, digam “uma frase que represente o que espera para a bienal desse ano”. Ok, Gi diz “Lady Gaga”, depois complementa com “Puta falta de sacanagem”. Romário diz “andar menos para ir até a Liberdade”. Monalisa diz que... ela não diz nada, só fala que não espera nada porque desencanou de tudo (uhul, Mona, bem vinda ao quarto ano). Marcelo: “espero que aquele tobogã esteja lá de novo”. Ju, supersincera, “uma bosta, com sempre”.

E você achou que ele tava zoando, né?

(Observação casual: Romário diz que promete um post para o fim de semana. Que fique registrado.)

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Voltando. Agora hoje, mesmo, dia 14 de junho. Deixei o blog perdido por duas semanas porque resolvi estudar pro mestrado (sim, aquela conversa com a professora lá em cima me animou). Me endividei comprando todos os livros da bibliografia básica, mas vá lá. Agora não tem volta. Droga. (brinks) Fiquei longe porque estava lendo, mas voltei.

Arrãn.

Bienal. 29ª Bienal de Arte de São Paulo. O título da exposição desse ano é “Há sempre um copo de mar para um homem navegar”; verso estripado do poeta Jorge de Lima. Tal frase “sintetiza o que se busca com a próxima edição da Bienal de São Paulo: afirmar que a dimensão utópica da arte está contida nela mesma, e não no que está fora ou além dela”. Neste ano, a equipe de curadoria tem seis membros, cada um de um canto do planeta.

A concepção da identidade visual do evento desse ano foi superbacana, e postaram dois vídeos no YouTube mostrando todo o processo. Vale a visita, no caso de ver aquelas bolas coloridas estranhas no fundo amarelo e dizer que não entendeu nada.

Essas bolas.

Em 2010, a proposta da Bienal é aproximar a arte da política. Não no sentido “olha meu quadro, vota em mim, lol”, mas no de ambas tratarem de conflitos e paradigmas sociais. O legal é que, ao contrário de outros anos, onde a escolha dos artistas partia do Brasil e dos vizinhos, a seleção agora aboliu as representações nacionais, e tem gente de origens extremamente variadas entre os 145 artistas que vão expor. Óbvio que, como eles mesmos atestam, é preciso enfatizar um lugar e um tempo e, por isso, muitas das obras são de brasileiros, mas sem terem um tratamento à parte das demais.

Aproximo-me do fim do post. Espero que a Bienal desse ano seja legal. A última não foi aquelas coisas, com o andar vazio e as obras esquisitas. (É válido ressaltar aqui que os comentários da galerë ali de cima são todos tendenciosos, já que todos eles odeiam arte contemporânea, até onde eu sei).

E assim voltamos à programação normal.

Canções da Maionese

Eu fico caçando motivos pra escrever. Alguma coisa que me motive, senão o negócio não vai pra frente. Pensei em falar sobre algo atual, wow, legal, supermoderno etc, etc, mas não rolou. Tá certo que a exposição do barroco brasileiro lá é legal, eu pensei em falar sobre ela, mas nah. Por exemplo: o que me motivou a falar de MODELÂNDIA (vide o post anterior) foi a mais pura indignação.

Esse aqui foi motivado por música (tava ouvindo um álbum baseado no cara). Senhoras, senhores e bichinhos assexuados indecisos, falarei de William Blake. Eu não deveria, já que ele tá no meu TCC e isso foi traumático (brinks). Mas vamos lá.

Thomas Phillips. Retrato de William Blake [fazendo a passiva]. Óleo sobre tela, 92,1x72cm. 1807.

  

O sr. Blake nasceu em 1757, em Londres (a que fica na Inglaterra, não as cinco dos EUA), e morreu lá também, em 1827. Como todo artista foda que nasceu antes do século XX, o coitado era praticamente  desconhecido em tudo quanto é lugar. O cara era extremamente religioso, na dele, vivia num mundinho fechado, tava cagando pra academia e achava que só o que ele fazia era o certo. Resultado: artista excepcional, mas considerado doido varrido por todos, exceto a mãe dele (espero). Tá, tinha alguns ali que achavam ele apenas um excêntrico inofensivo (arrã), e uns três, quatro, que realmente piravam junto, tipo “éee... sóoo... tu é o cara.” Mas eram poucos. Mesmo.

Esses poucos amigos do Blake eram que impediam-no de morrer de fome. Sério, ele vivia de fazer gravuras pros outros. No começo era foda. Se não vendesse, tava ferrado.

Mas voltando à arte do cara: ele era pintor, poeta e tipógrafo. Além de superintrovertido. Ele desenhava e pintava de cabeça, fazendo as coisas como bem entendia, pouco se lixando se tava natural ou não. Era a visão dele que importava. Pintava as figuras pensando no significado delas, não se a sombra da cutícula do dedo de Deus tava certa (ok, ele tinha erros de anatomia bem feios, mesmo). Nesse aspecto ele parecia com os pintores medievais, que também faziam tudo como queriam, estivesse correto ou não.

William Blake. O Ancião dos Dias. Água-forte com aquarela, 23,3x16,8cm. 1794.

Sim, isso aí é dele.

Por que ele é tão importante assim? Porque foi o primeiro a trair a família Restart desde o Renascimento. O primeiro a dizer “ei, gente, péra, por que é que tem que fazer tudo assim? Faz cada um do seu jeito e fica todo mundo de boa!”. Óbvio que era esse um dos motivos pelos quais os artistas da época o achavam bizarro. Demorou praticamente um século pra ele ser reconhecido como uma das mais importantes pessoinhas da arte inglesa.

De toda a obra dele, duas foram as coisas que me obrigaram a escrever. Dois livros, escritos e ilustrados por ele. Canções da Inocência, de 1789, e Canções da Experiência, de 1793. Depois da publicação do segundo volume, os dois foram publicados num livro só, chamado Canções da Inocência e da Experiência Mostrando os Dois Estados Contrários da Alma Humana. Como num manuscrito da Idade Média, o Blake compôs os poemas, ilustrou cada um deles e os fundiu às ilustrações, as quais gravou e imprimiu.

Até a morte de Blake, foram vendidas vinte cópias de Canções da Experiência. Hoje em dia essa coisa cai nas provas do fim do ensino médio na Inglaterra. Não é demais?

A Imagem Divina, de Canções da Inocência, e a capa de Canções da Experiência.

Esses dois livros foram de suma importância para a história da ilustração. Blake era um artista do período romântico, sua arte era extremamente particular e ele ilustrava os próprios poemas que compunha. Poesia é um dos gêneros literários mais difíceis de serem ilustrados, dada a sua comum sucessão de metáforas, alegorias e demais frescuras. Já é uma abstração danada quando escrito, então tentar criar uma concepção visual pra coisa só pode, na maioria das vezes, dar em merda. Rui de Oliveira, ilustrador brasileiro, fala isso de um jeito mais bonitinho:

“Existem momentos, não apenas na poesia, mas na prosa também, em que a literatura alcança tal nível de beleza e abstração que qualquer imagem, por mais fantasiosa que seja, tornaria vulgar esse instante literário. Nem tudo pode ser ilustrado. Nem tudo possui um corpo físico.”

OLIVEIRA, I. (org). O que é qualidade em literatura infantil e juvenil – com a palavra o ilustrador. São Paulo: DCL, 2005.

Não havia livros parecidos com esses dois do Blake, e essa é a graça da coisa. Ele inovou a maneira como eram ilustrados, com imagens mescladas ao texto, não em páginas separadas com uma legendinha tosca. Óbvio que não foram as únicas ilustrações que ele fez na vida – em boa parte dela, passou ilustrando textos de outros autores. Ainda assim, suas imagens não eram simplesmente interpretações literais do que estava acontecendo nas cenas representadas: eram sua visão pessoal da obra, influenciada por todo o seu misticismo característico.

William Blake. Ilustração para a Divina Comédia, Inferno, Canto V.

Blake morreu enquanto trabalhava nas ilustrações da Divina Comédia, de Dante. Hoje em dia, ninguém sabe onde está exatamente o seu túmulo, apesar de existir uma lápide próxima do local onde ele deve ter sido enterrado, junto da esposa. A Igreja Gnóstica Católica reconhece Blake como um santo.

Sei não, eu também.

Uma tendência para todos dominar

Esse texto aqui vai pra outro campo, fora das artes visuais. Literatura. Tá. Não literalmente (ó o trocadalho), mas vai. Só pra mostrar como somos abrangentes e polivalentes (oi?).

Uma das minhas ambições é publicar um livro. Mas primeiro eu preciso escrevê-lo, assim que a minha preguiça e o meu dom de procrastinação avançada me permitirem tal coisa.

Outra das minhas vontades é a de parar de frescura e começar a dirigir, já que eu gastei um belo dinheiro pra ter uma habilitação. Se tem mulheres e analfabetos que conseguem dirigir, porque eu ainda hesito ao pegar um carro? 

Pensando nisso e na notícia abaixo, está decidido: serei um escritor renomado.

Eu estou nua e não-euclidiana por trás dessa montagem tosca. 

Yup. Tyra Banks vai publicar uma trilogia de fantasia sobre modelos. Salve-se quem puder.

Depois de Christopher Paolini e o superoriginal Eragon, depois de Stephenie Meyer e sua profunda saga dramática e purpurinada sobre vampiros-emos-cintilantes-genéricos, é hora da MODELÂNDIA. Alguém me tire desse planeta.

Eu não tenho formação para discutir cânones de literatura ou coisa do tipo. Mas eu gosto de ler e de escrever. E de falar mal desse tipo de coisa aí (sim, eu também tenho defeitos). Mas vamos às palavras da própria ex-modelo semicantora empresária quase-ex-apresentadora e futura PAULO COELHO: 

I’m so EXCITED!! I said I was going to do it, and here it is! It’s for all the girls and guys who want a lot more FANTASY in their lives… and some fierceness and magic, romance and mystery, crazy and wild adventures, and yeah, some danger too. It’s my novel called Modelland (pronounced “Model Land”) that takes you to a fantastical place you’ve never seen, or heard about, or read about before… Where dreams come true and life can change in the blink of a smoky eye. ;) 

Em uma tradução improvisada (não fiel, mas mantendo o espírito original): 

EU FUI FORÇADA!! Eu não queria fazer isso, mas tá aí! A mídia pediu, eu fui obrigada: eles querem pessoas que se FANTASIEM o dia todo... o travestismo é tendência, é forte e mágico, atrai romances e mistério, drogas e aventuras e, óbvio, DSTs também. Eu não resisti e sei que ia ganhar dinheiro com a Modelândia (tipo "Terra das Modelos"), uma história que vai acabar te levando para a cadeia, onde nunca mais vai ver, ou ouvir sua família... Onde os sonhos terminam e a vida acaba com o olho do ** na mão. ;)

Eu não queria. 

Tá, falando sério. Ela vai escrever sobre um mundo de faz-de-conta (arco-íris, por favor?) para o qual uma menina e seus amigues são transportados magicamente (purpurina, por favor?). Isso em três livros. Teremos tipo uma Nárnia onde Aslam é o Alexander McQueen (quedescanseempaz). 

Segundo TAIRA, a história tá na cabeça dela há centenas de anos. O bom de ser milionária é que ela pôde fazer todo esse drama de "aimeudeusvoupublicar" enquanto a editora do tal Modelândia é... dela. Isso, Tyra Banks abriu uma editora. "Livros Bancáveis", seria a tradução do nome da mesma, mas só na minha cabeça, então releve. 

Eu gostaria de ter esperanças dela escrever algo realmente relevante e interessante, e que tire a ideia da frescura do ~mundo da moda~. E desglamurizasse (palavrão) a coisa, pras pessoas entenderem o porquê das roubas bizarras nas passarelas e das modelos estilo pau-de-virar-tripa. Mas não sei. Ainda me parece clichê genérico nos moldes de Harry Potter/Nárnia: três protagonistas, um mundo feliz e mágico contrastando com o mundo real e pobre sem fantasia, etc, etc.

Em nota não relacionada, o cantor Falcão diz ter recebido uma proposta de estrelar uma trilogia de filmes holywoodiana como um vilão "cafona e afetado" cuja frase mais falada é "isso é tão 2008!" 

Será que isso significa que o vilão de Modelland vai ser alguém bem coleção passada?

Significa.